Artículos 2011

JOSE LUIS REBORDINOS

Zinemaldiko zuzendari berria den José Luis Rebordinosekin elkarrizketa, hamar urtez zuzendari izandako Mikel Olaciregiren ondorengoa. José Luis Rebordinos Donostia Kulturako Zinema Saileko arduraduna izandakoa izateaz gain, Fantasia eta Beldurrezko Asteko eta baita Giza Eskubideen Zinemaldiko zuzendaria ere izandakoa da. Hamabost urtez zinemaldiko zuzendaritzako eta aukeraketarako batzordeetan parte hartu zuen. Zinemari buruzko zenbait liburen egile eta koordinatzaile ere bada. Rebordinosek eremu hau ederki baino hobeto ezagutzen du, alderdi artistikoa nahiz merkataritzarena. Gainera, lehenengo lau urteetan Kimuak egitasmoaren sustatzailea izan zen, zeinak euskal laburmetraiak bultzatu dituen, nazioartean ohiartzun handia izan dutenak. Hau guztia gutxi balitz, bost urtez Nanteseko Zinemaldiko Administrazio-kontseiluko partaidea izan da eta zortzi urtez Eusko Jaurlaritzaren gidoien garapenerako laguntzarako biltzarrean parte hartu du.

1. Hace 10 años respondías al Gehisemua de Gehitu: “El cine convencional debería incluir discursos gays con total normalidad”. Hoy en día, ¿existe un cine gay o se ha seguido la vía que apuntabas? J.L.R.: 10 años. Cuanto tiempo… No sabría contestarte. Creo que, afortunadamente, como en otros aspectos de la vida, el discurso homosexual ha pasado a ocupar un espacio normalizado en muchas películas; es decir, aparece como aparecen otros discursos que son enunciados desde otras opciones sexuales. Es un discurso más, posible, como cualquier otro… Sin embargo, sigue existiendo un cine gay militante. Ambas opciones no son excluyentes, aunque a mí me interesa mucho más la primera…

 2. También temías que los movimientos del “políticamente correcto” desde una pretendida izquierda podían devenir grupos de presión reaccionarios que se alinearan con los sectores conservadores tradicionales. ¿Querías ser la nueva bruja de Ulía o qué? J.L.R.: No me tengo por adivino. Pero si analizamos los diferentes momentos históricos claves en cuanto a la lucha por el derecho a la representación del sexo en una pantalla, veremos cómo se han producido “pactos” contra natura. Cuando en los sesenta-setenta la pornografía intentaba aparecer en las pantallas de cine, algunos de los sectores más progresistas apoyaban su legalización de la mano de las empresas que veían en este nuevo subgénero cinematográfico una gran oportunidad de negocio; enfrente, algunos de los sectores más reaccionarios de la sociedad y parte del movimiento feminista… En cuanto al derecho de elección sexual, en este caso el de la homosexualidad, me preocupa más el papel de sectores teóricamente progresistas que en el fondo siguen sin asumir verdaderamente este derecho. Me refiero a esos que dicen cosas como: “yo no tengo nada contra los homosexuales, me parece muy bien, pero no entiendo que quieran casarse…”. Que lo quieran o no es su problema. Lo mismo que en el caso de una pareja heterosexual. La reivindicación es que ambas tienen que tener los mismos derechos…Rebordinos

3. El director del festival de Sitges hace su trabajo programando cine fantástico y de terror y lo procesan. ¿El final de una ola de autocensura o el inicio? J.L.R.: Creo que llevamos ya muchos años en una situación preocupante. Vivimos una cultura del miedo que permite tomar a los gobiernos decisiones que limitan las libertades de los ciudadanos. Y vivimos una ola de “conservadurismo político” generalizado, que agrede con fuerza y rapidez a cualquier manifestación artística que se sale del camino marcado, que crea contradicciones en la sociedad…

4. No te preguntes qué puede hacer tu país por ti sino tú por tu país. ¿Además de pagarlo con nuestros impuestos qué podemos hacer los donostiarras y los cinéfilos por el festi? J.L.R.: Los ciudadanos donostiarras ya hacen mucho por el festival. Llenan las salas y participan en los coloquios y en las diferentes actividades del mismo con mucho entusiasmo. El público es uno de los grandes activos de este festival.

 5. Baja repercusión en los medios internacionales no especializados, muy buena en la prensa latinoamericana. ¿Mucho esfuerzo organizativo con desigual resultado? No es fácil valorar en unas pocas líneas la repercusión del festival en la prensa internacional. Yo me atrevería a decir: muy importante presencia en medios españoles, importante en medios latinoamericanos, buena en medios internacionales especializados, probablemente inferior en medios internacionales no especializados… En todo caso, una asignatura pendiente, complicada, debido sobre todo a la proximidad de Toronto (por delante) y de Venecia y Roma (por detrás).

 6. 25 años de premios Teddy en Berlín, 10 años de Sebastiane aquí y ahora se suben al carro del “premio gay” Venecia y Cannes. ¿Sensibilidad social frente a negocio/moda? J.L.R.: No conozco las razones por las que se han creado estos nuevos premios y, por lo tanto, no puedo opinar.

 7. Misma ciudad, mismo arte, mismo negocio, pero dirigiendo una estructura distinta, ¿qué vas viendo diferente? ¿cómo organizarías esta lista? J.L.R.: una venerable institución europea de los 50 (para nada, no veo nada de rancio ni viejo en este festival) una biosíntesis entre la imagen de una ciudad y su festival (tú me das, yo te doy) creo que el festival no sería igual en otra ciudad y con otro público, y creo que esta ciudad ya no podría entenderse sin su festival de cine) un altavoz para la empresa familiar y la mediana industria del cine una pesadez divertida para la gran industria multinacional del cine una feria comercial llamada Cannes con sucursales (Estas tres no me convencen tal como están enunciadas. El festival es un lugar de encuentro para la industria, pero también un espacio en el que comunicarse, en el que encontrar nuevas propuestas, nuevas maneras de entender el audiovisual…) un sitio para indignarse…Tal vez. Pero me gusta más expresado de otra manera: un lugar de encuentro entre diferentes, un espacio para el debate, una oportunidad para comunicarnos con gentes de todo el mundo que nos ofrecen sus películas… un lugar donde también te puedes reír y pasar miedo… Por supuesto. Y llorar… y sentir todo tipo de sensaciones…

 8. ¿Qué nos va a deparar el cine? Autocomplacencia y el mirarse el propio ombligo o una plaza común y vivaz. J.L.R.: El cine, el audiovisual, siempre ha ofrecido un poco de todo. Y así seguirá siendo… El que dice que el cine ya no tiene nada que ofrecer, que está muerto, que vaya a ver las últimas películas de Malick o de Kaurismaki… O tantas otras que siguen sorprendiéndonos y haciéndonos disfrutar de todo tipo de sentimientos…

 ——————————————————————————————————————————————————

JACQUES DEMY

IGOR BLANCO

jacquesdemyEl Festival de este año va a dedicar uno de sus ciclos retrospectivos al cineasta francés Jacques Demy. Destacan entre sus trabajos su ópera prima “Lola”, “Las señoritas de Rochefort”, o la exitosa y multipremiada “Los paraguas de Cherburgo” (que obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1964 y estuvo nominada a 5 Oscars),

Las películas de Demy se caracterizan por una estética colorista, a caballo entre lo kitch y el pop art, y por su musicalidad. No en vano muchas de sus películas se circunscriben dentro del género musical. En este sentido destaca la estrecha colaboración que mantuvo el cineasta con el compositor Michel Legrand. Las melodías de Legrand son uno de los rasgos más identificables en la filmografía de Demy, al igual que la presencia de una de sus principales musas, Catherine Deneuve, a la que dirigió en reiteradas ocasiones.

Con todos estos elementos, Demy consigue trasladarnos a un universo muy particular donde la fantasía y la realidad conviven de forma armoniosa. Los cuentos, las leyendas, lo mágico están muy presentes (véase, por ejemplo, “Piel de Asno”), pero se mezclan con elementos y conflictos de la vida cotidiana. Además, es un universo donde la casualidad y el azar están muy presentes, y donde la sensación de felicidad es efímera, huidiza; dura un instante y luego se desvanece, con la misma fragilidad con la que lo hace el tiempo. A pesar de toda esta amalgama de conceptos tan dispares, la filmografía de Demy resulta muy coherente, como si todas sus películas formasen parte de un “todo”.

El propio director era consciente de ello y por ello introducía guiños a personajes de sus primeras películas, haciéndolos reaparecer en otros films. Detrás de la fachada alegre y gay que lucen sus películas, en el universo Demy subyace también una serie de temas más serios, e incluso espinosos, que se repiten a lo largo de su obra. Por ejemplo, la figura del padre ausente, la idea del incesto, la bisexualidad, o la exploración de los límites del género. Este año el Premio Sebastiane y Gehitu quieren unirse de manera especial al homenaje que el Zinemaldia rinde a este cineasta y por ello, en la fiesta que como cada año celebraremos en Jareño (y ya van 12), nos contagiaremos del universo Demy, utilizando su estética colorista para ambientar el lugar.

 ——————————————————————————————————————————————————

80 E02_80GUNEAN

 JON GARAÑO / JOXE MARI GOENAGA

80 egunean, película ganadora del Premio Sebastiane 2010 es la historia de amor de dos mujeres que se reencuentran en la parte final de sus vidas. A continuación, los directores de la película (Jon Garaño y Jose Mari Goenanga) comparten con nosotros, entre otras cosas, cuál ha sido la trayectoria de la película durante este último año, la reacción del público, los proyectos a los que se enfrentan, la influencia de la crisis económica en productoras como Moriarti o su punto de vista ante el cambio de timón en el Zinemaldi.

Bada urtebete Sebastiane Saria jaso zenutela. Harrezkero zein ibilbide izan du filmak? JOXE MARI GOENAGA (J.M.G.): Filma hainbat festibaletan aurkeztu da Donostian Sebastiane saria jaso zuenetik. Bai gai orokorreko zinemaldietan, eta baita LGTB zinemaldietan. Internazionalki filmak bere bidea Karlovy Vary-n (Txekiar Errepuplikan) hasi zuen uztailan (Zinemaldia baino lehen) eta gero Montrealen egon zen ere bai. Baina festibal gehienak zinemaldiaren ondoren etorri ziren. Hainbat herrialdetako zinemaldietan egon da (Chicago, El Cairo, Sao Paolo, Jakarta, Londres, Miami, Guadalajara, Torino, etabar). Egia esan oso pozik gaude izan duen harrerarekin. Guztira 60 bat festibaletan egon da eta 20 sari inguru jaso ditu. Gainera festibalei esker, Polonia eta Finlandiako zine komertzialetan estreinatu ahal izan da filma.01_80

Zergatik erabaki zenuten bi emakume adinduren arteko maitasuna jorratzea? JON GARAÑO (J.G.): Hasierako ideia eta gidoiaren lehendabiziko bertsioa nik idatzi nituen. Istorio hau idazteko motibazioa bi iturritik etorri zitzaidan. Alde batetik, nere bi lagunek filman kontatzen den antzeko egoera bat bizi izan zuten. Hau da, ordurarte bizitza heterosexual bat eraman izan zuen 30 urteko neska bat beste neska batekin maitemindu egin zen, eta gaur arte irauten duen erlazio bat hasi zuten. Nere lagunen esperientzia hura ezagutu nuenetik beti jorratu nahi izan nuen gai hori istorio batean. Bestalde, Moriartin beti izan ditugu gustuko jende heldua protagonistatzat duten istorioak. Beti komentatzen genuen interesgarria izango litzatekeela jende helduarekin zerbait egitea, askotan zinean bigarren maila batean geratzen baitira eta ez da beraietan gehiegi sakontzen. Gure ustez, adin honetako pertsonaiak asko daukate esateko. Beraz, bi motibazio hauek elkartu eta “80 egunean” filmaren argumentua garatu nuen. J.M.G: Moriarti (gure produktorako) gainontzeko kideek, argumentu hura irakurri genuenean, zineman apenas ikusi ez den errealitate bat isladatzeko aukera zegoela ikusi genuen.05_80

Zer uste duzu transmititu diela ikusleei filmaren historiak? J.G: Zaila da esaten, baina espero degu guk transmititu nahi izan duguna neurri batean transmititu izana. Guk batez ere mundu guztiarentzat identifikagarriak diren kodeekin jolastu nahi izan dugu. Hau da, nahiz eta hasiera batean 70 urteko lesbiana bat zure bizitza egoeratik oso urrun egon daitekeen, ikuslea pertsonaia horiekin eta beraien sentimenduekin identifikatzea nahi genuen. Horregatik, guretzako oso pozgarria da hasiera batean pertsonaia horiekin zerikusirik ez duen norbait (adibidez, heterosexuala den mutil gazte bat) gerturatu, eta filmarekin eta pertsonaiekin oso identifikatua sentitu dela esaten digunean. J.M.G: Baina era berean, filman deskribatzen den egoera, mundu errealean gertatzen den zerbait da. Egoera hori errealitatean bizi izan duten emakumeekiko errespontsabilitate puntu bat sentitzen genuen. Errealitate horrekiko fideltasun bat mantendu nahi duzu eta ahalik eta era sinesgarrienean beraien istorioa kontatu. Behin baino gehiagotan gertatu zaigu, filma amaitu ostean 60-70 urteko emakume bat gerturatzea, berak antzeko egoera bat bizi izan zuela esanez, eta filman islatuta ikusi duela bere burua. Guretzako hori lortu izana arrakasta handi bat da. Oro har, uste dugu ikuslegoak “80 egunean”- eko pertsonaiak gertuko sentitu dituela, eta guretzako hori da lorpenik handiena.

Filma ikusi den leku guztietako ikusleen erreakzioa homogeneoa izan al da? Pasadizorik? J.M.G: Orokorrean, filmaren harrera oso positiboa izan da toki guztietan, eta nahiko homogeneoa. Hasiera batean, beldur ginen ea istorioa beste herrialdeetan ulertuko zen, hau da, ea istorioa benetan unibertsala zen, edo hemengo kode, portaera, etabarretan oinarrituegia zegoen. Baina aurkeztu dugun toki guztietan jendea identifikatua sentitu da eta istorioa ulertu dute ikusleek. J.G: Beno, beti daude salbuespenak, eta kasu honetan El Cairo-ko zinemaldia izan zen. Oso festibal garrantzitsua da eta gu oso pozik geuden bertan hautatuak izateagatik. Ni bertara joan nintzen filma aurkeztera. Beti egiten dugun bezala, filmaren hasieran aretoan azaldu nintzen, proiekzio baldintzak ikusteko eta aretoan jendea zegoela ziurtatzeko. Gero, filmaren amaiera aldera, aretora itzuli nintzen. Hasieran baino askoz jende gutxiago zegoela ikusi ahal izan nuen, eta ez hori bakarrik, nahiz eta filma amaierara iristen egon, oraindik ere jende dexentek alde egiten jarraitzen zuen aretotik. Filmaren ondorengo solasaldira 5 pertsona baino ez ziren gelditu. Kolokioa amaitu ondoren, filma ikusten egon zen gizon bat gerturatu zitzaidan eta filma ondo zegoela esan zidan, baina hobe izango zela bi emakume izan ordez gizon eta emakume baten arteko istorioa izango balitz. Agian filma ez zuten gustoko izan eta kitto, baina era berean, argi dago kultura batzuetan oraindik homosexualitatearen gaia ez dela erraz onartzen. Guretzako, Egipto bezalako herrialde batean gure filma erakutsi ahal izana arrakasta bat da. Nahiz eta azkenean soilik 5 pertsona geratu solasaldira.04_80

Zuena bezalako ekoiztetxeek gaur egun zein zailtasun dute? Krisialdi ekonomikoak eragiten die? J.M.G: Bai, nik uste det krisiak eragina duela. “80 egunean” filmaren finantziaketa krisiaren garai gogorrenak iritsi aurretik itsi zen, eta 2 urte bertan lanean eman genituen, krisia gehiegi nabaritu gabe. Baina behin proiektu hau amaitu dela, beste proiektu batzuk finantziatzeko dirua bilatzen hasten zarenean, konturatzen zera telebista batzuk gero eta diru gutxiago dutela, eta beraz zailagoa dela hurrengo proiektuetarako dirua lortzea.n Bestalde, gure produktoran, filmak egiteaz gain beste motatako lanak ere egiten ditugu. Adibidez, bideo korporatiboetan parte hartzen dugu, eta esparru honetan asko nabaritu da ere krisia. Enpresek, ekonomikoki gaizki doazenean, komunikazio eta marketing-ean mozketa nabariak egiten dituzte eta horrek eragina du gure sektorean.

Etorkizunari begira zein egitasmo duzue? J.G: Zenbait proiektu martxan ditugu, baina finantzaketa isten joan beharra dugu. Momentu honetan indar gehien duen proiektua “El método Arrieta” izenburua du, eta Jorge Gil Munarriz dabil zuzendaritza lanetan. Dokumental proiektu bat da eta bertan Arrieta aizpen egunerokotasunean murgildu nahi dugu. Lourdes eta Mentxu Arrieta, Donostian bizi diren bi aizpa dira. Gaixotasun genetiko bat daukate eta horren ondorioz ezin dute beraien gorputzaren mugimenduak kontrolatu. Gurpil aulki batean dabiltza, eta ezin dute ia ia hitz egin (Lourdesek ez du hitzegiten. Mentxuk zailtasun handiekin). Dena den, oso emakume dinamikoak dira, gauza harrigarriak egiten dituzte eta beraien artean komunikatzeko hizkuntza bat garatu dute, beraiek erabat kontrolatzen duten gorputzeko organo bakarra erabiliaz: begia. Pupilaren mugimenduaren bitartez, hizkiak deletreatzen dituzte beraiek asmatutako sistema baten bidez. Dokumental honekin, gizakiok gure artean komunikatzeko dugun beharrari buruz hitz egin nahi dugu. Bestalde, aurten ere beste 3 laburmetrai estreinatuko ditugu.03_80

Zinemaldiaren zuzendaritza berria daukagu, nola ikusten duzu etorkizuna? J.M.G: Nik ondo ikusten det aldaketa berri hau. Mikel Olaziregik oso lan ona egin du, baina 10 urte denbora asko da eta aldaketa beharrezkoa zela iruditzen zait. Nire ustez, azken urte hauetan festibalak pixka bat behera egin zuen eta indar berriak eskertu egingo dira. Ez da momentu erraza, krisia dela-eta ez baitago diru gehiegirik. Baina Jose Luis Rebordinosen perfileko persona bat zuzendaritzan ezartzea oso aukera ona iruditzen zait. Oso dinamikoa da eta ideia berri asko ekarriko ditu: sail berriak, ekintza desberdinak… eta espero dezagun festa gehiago ere ekartzea. Azken finean, zinemaldia jai bat ere bada, eta iruditzen zait batzuetan alderdi “ludiko” hori pixka bat ahaztu egiten dela.

Emadazu Sebastiane bezalako sariak izateko, existitzeko arrazoi bat.  J.G: Zinema, beste gauza askoren artean, aldarrikapen bide bat ere bada, eta horrelako sariak, aldarrikapen horiek urrunerago eramateko bide bat dira.

 ——————————————————————————————————————————————————

 PELÍCULAS DE LESBIANAS

                                             LESBIANAS DE PELÍCULA

JAVIER IRIGOYEN

lesbianas_cine3

Lesbianek bazterkeria bikoitza jasan dute; alde batetik emakume izateagatik eta bestetik homosexualak izateagatik. Baieztapen hau gure neskekin zerikusia duen edozein gai jorratzen denean agertzen da eta, zoritxarrez, lesbianen historiak zineman izandako garapena aztertzean baieztapen hau ere egin daiteke.

ICONOS Hablar de sáficas en el cine es hablar de Greta Lovisa Gustafsson, Greta Garbo (1905-1990). La divina es un icono casi exclusivamente lésbico, siendo Reina Cristina (1932) una de sus mejores películas, con los más bellos primeros planos femeninos jamás filmados. La Garbo en la película es lesbiana como lo fue también la reina Cristina de Suecia, se viste de hombre, se niega a casarse y mantiene una relación con una joven. Su paso por el cine fue tan enigmático como su retirada, siendo el misterio uno de sus principales rasgos aunque podemos afirmar que en sus relaciones amorosas se volcó en el aspecto femenino con compañeras como Bárbara Kent, Marie Dressler, Paulette Duval, o la poetisa hispano-estadounidense Mercedes de Acosta.

Marlene Dietrich (Berlín ¿1901?), otro icono lésbico, ya desde niña dejó entrever su dualidad sexual, se hacía llamar Paul, vestía de niño, y al comienzo de su carrera su compañera de reparto, Claire Waldoff, la inició en el lesbianismo. En 1925 conoció a Greta Garbo con la que mantuvo una relación. Nunca ocultó su bisexualidad, su vida privada fue, incluso, pública.

BREVE HISTORIA Podemos decir que “Chicas de uniforme” de Leontine Sagan, de 1931, es el primer film verdaderamente lésbico. Pero es más que esto: con la historia de amor entre Manuela, recién llegada al internado, y su profesora, la directora realiza una ataque al fascismo a través de criticar el patriarcado. Recordemos que en esta película no aparecen hombres, dando así más fuerza a su discurso. Al ir los hombres al frente en los años de la Segunda Guerra Mundial, la presencia de las mujeres aumentó, ganando algo de terreno. Pero este repunte duró poco, ya que al finalizar la contienda el conservadurismo tuvo un rebrote en la sociedad americana. El Código Hays, regulando lo que moralmente era aceptado por Hollywood, seguía intacto, la palabra lesbiana no se pronunciaba, no tenían nombre, eran invisibles. En la siguiente etapa, al desaparecer la censura, pasamos a un cine en el que las lesbianas aparecen, pero a través de la más patriarcal de las miradas masculinas. Los típicos desenlaces eran la muerte de la lesbiana, por ejemplo, aplastada por un árbol derribado por el hombre que competía por la misma mujer; se suicidaba, era asesinada o se convertía en heterosexual. En esta etapa, de directores voyeurs, las lesbianas eran utilizadas también como objeto sexual pensado en el deleite del espectador masculino y heterosexual. A partir de los años 70, con el surgimiento de directoras mujeres, el lesbianismo adquirirá una presencia más real en las películas, aunque con una repercusión mínima ya que las feministas militantes accedieron a la dirección lejos de la industria. De esta época destacaríamos a Bárbara Hammer, cineasta experimental y su film The vampire lovers (1971). Curiosamente uno de los géneros asociados con el lesbianismo es el cine sobre vampiras.lesbianas_cine

PELÍCULASPERSONAJESMOMENTOS Dos pelis fundamentales, de entre los films independientes más reconocidos, están producidos por Christine Vachon; I shot Andy Warhol, retrato de Valerie Solanas, feminista lesbiana radical que disparó contra el creador de La Factory (justo dos días antes del asesinato de JFK) ,siendo su obra más conocida el manifiesto SCUM, expresando su odio a los hombres y proponiendo su exterminio y Go fish, una adorable historia de amor, un film ideal que resume el actual cine lésbico, película que respeta la inteligencia del espectador y la que más cariño manifiesta a las lesbianas.

Podemos continuar con un ranking de los mejores personajes:

  • Mona y Tasmin de My summer of love.
  • Rita de Mulholand drive de David Lynch.
  • Las protagonistas de Habitación en Roma de Julio Medem.
  • Agnes de Fucking amal.
  • Chloe.
  • Sofía, la madre de A mi madre le gustan las mujeres.
  • Nic y Jules en Los chicos están bien.
  • La profesora del instituto de Cracks.
  • Aileen, la lesbiana asesina de Monster.
  • Clarissa Vaughan de Las horas.

lesbianas_cine2Aparte de películas y personajes, en el cine podemos encontrar momentos lésbicos de película entre los que destacaríamos, ya para finalizar, los siguientes: Jodie Foster. Jodie Foster interpretando a la lesbiana Clarice Starling en El silencio de los corderos. Cleopatra y sus esclavas. La relación entre la señora Danvers y Rebecca (Hitchcock). La ambigua relación de Tomates verdes fritos. Gia. Las españolas Caricias y Entre tinieblas. La profesora Armstrong en La sonrisa de Monalisa. Encontramos otra profesora en Soldados de Salamina. Orlando. Más profesoras en Historia de un escándalo, Las bostonianas, las sebastianizadas Caramel y En 80 días (ay amaaaaaa¡¡¡¡¡¡). Cuando vuelvas a mi lado. La posesión del cuerpo de Whoopi Goldberg por parte del marido fantasma de Demi More en Ghost ( Demi luce look lésbico en la peli y Whoopi es uno de los iconos lésbicos, que más se puede decir????)…

Como podemos comprobar el cine de chicas, para chicas, hecho por chicas, existe. Quizá ya no se le pueda definir como género silenciado, aunque tampoco deba extrañar su evolución, ya que los hombres han ignorado sistemáticamente a las mujeres, independientemente de su orientación sexual, debiendo estar todos más atentos y convertirnos en observadores competentes para que las lesbianas dejen de ser invisibles.

 ——————————————————————————————————————————————————

FASSBINDER Y QUERELLE

JUANJO ARÍN

Bresteko portuan “Vengeur” itsasontzia ainguraturik eta aldaezin dago, beharbada betiko han lehorreratu baita. Bere alboan malekoia dago, harresi garaiak eta zakil itxura duten dorreak dituena. Beste muturrean, putetxearen eta presondegi hutsaren ondoan, taberna dago. Hau da, hain zuzen, Querelle dabilen jokalekua, kai honetara heriotza eta maitasuna ekarri duen marinela. Fassbinderrek film erradikala, berritzailea eta sailka ezina egin zuen. Inoiz ez zuen gaytasuna arazotzat hartuko zuen “zinema gay”-rik egiteko asmorik izan.Fassbinder

Rainer Werner Fassbinder adaptó en 1982 la novela francesa del autor Jean Genet, “Querelle de Brest”. Querelle fue la película póstuma de este director de cine, teatro y televisión alemán además de actor, productor y escritor que falleció debido a una mezcla letal de píldoras para dormir y cocaína. Con el tiempo Querelle se ha convertido en un icono del cine gay. La película nos cuenta como el bello marinero, ladrón, traficante y asesino Querelle (Brad Davis) llega al puerto de Brest. Allí se reúne con su hermano Robert (Hanno Poschl), con el que mantiene una intensa relación de amor-odio. Fascinando a todos con los que se cruza por su belleza, incluido su superior, el Teniente Seblon (Franco Nero), Querelle termina manteniendo sus primeras relaciones homosexuales con el dueño del burdel Nono, un corpulento hombre de color que además de encargarse de servir copas, es famoso por las apuestas con los dados que mantiene con los clientes: si estos ganan, pueden elegir a una puta y acostarse con ella, pero si pierden tendrán que dejarse follar por él. Querelle se deja perder a los dados y Nono lo sodomiza. También mantiene relaciones con el corrupto Capitán de la policía local. Disfruta al someterse sexualmente, lo hace de forma dominante asesinando a un socio con el que se dispone a traficar con opio. Al mismo tiempo un trabajador de la construcción llamado Gil asesina a otro marinero. Querelle descubre su escondite y ve una oportunidad de achacarle su asesinato. Pero al conocerle y comprobar su parecido con su hermano, Querelle empieza a desarrollar sentimientos por Gil, que pueden dificultar el que pueda escapar de toda sospecha. Fassbinder logró con Querelle una obra radical, innovadora e inclasificable, con una estética que raya en lo kitsch, unos gestos y miradas que siempre significan algo más. El estilo es altamente expresionista y muy teatral en cuanto a las actuaciones y la estética y simbología de elementos como afiladas navajas, pistolas.

La fotografía casi pictórica de tonos ocres, anaranjados, pardos que bañan de una sensación crepuscular a todo el film. Los decorados se caracterizan por su artificialidad teatral que reproducen el encanto pecaminoso de un imaginario e irreal puerto de Brest flanqueado por torres en forma de falos y un faro-pene supra dimensional. Aunque Fassbinder nunca trató de hacer un “cine gay” en el que se tratara lo gay como una problemática, en casi todas sus películas aparecen personajes homosexuales y siempre puede notarse una sensibilidad gay en todas su obra. Además algunas películas suyas tienen como protagonista un personaje homosexual como ocurre en Las amargas lágrimas de Petra von Kant (1972) donde actúa Hanna Schygulla, habitual en su obra. Esto mismo ocurre en La ley del más fuerte (1974).

 ——————————————————————————————————————————————————

TEDDY AWARD, EL PRIMO ALEMÁN DE SEBASTIANE

teddy

JAVIER IRIGOYEN

Con permiso de otros osos, Yogui, Bubu, Balu, Jackie, Nuca, el de la coca-cola… hoy nos centramos en un oso gay, y no se trata de Winnie the pooh (cari, pásate por Paseo Colón 50 y te ayudarán a salir del armario, podrás hacer amigos o darte paseos con el grupo de montaña), sino del hermano marica del oso de la Bernilane. Los cinéfilos lo habréis adivinado, nuestro personaje es Teddy. Teddy se nos hace mayor (ya no es de gaztegehitu), y este año acaba de cumplir 25 añazos. Los años le están sentando estupendamente, convirtiéndose en un, cada vez más, prestigioso premio. El cachorro tampoco nació mal que se diga, fue el trampolín de grandes cineastas (Gus Van Sant, Derek Jarman, Peeeedro Almodóvar…), películas (“Fresa y chocolate”,”My Own Private Idaho”, “La ley del deseo”, “Eduardo II”, “Go fish”, “Priest”, “Hedwig and the Angry Inch”, “Transamérica”) y siempre se ha codeado con grandes actores y actrices (Helmut Berger, Joe Dallesandro, John Hurt o la ganadora de un Oscar Tilda Swinton).

La Berlinale, desde sus comienzos, se ha caracterizado por buscar activamente la creación de un ambiente amigable hacia las personas LGTB, dicho en una sola palabra, por ser gay friendly, o más exactamente por ser progay. No se trata de un festival de temática gay, tampoco de una sección especial, sino que las películas premiadas se eligen entre la totalidad de la programación, quedando los Teddy Award totalmente integrados en el certamen. Además, pueden presumir de ser los únicos galardones asociados a un gran festival de categoría A.

Los premios Teddy no sólo apoyan a directores, actores (actrices) y películas, sino también a festivales que sin su ayuda no existirían, como el de San Petersburgo, o eventos en Kiev, Yakarta y Sarajevo, facilitando la integración del colectivo LGTB, haciéndolo visible e incluso luchando contra la homofobia y los crímenes fomentados por el odio, uno de los puntos centrales de esta última edición. Otro punto importante y a destacar de esta edición, es el Teddy honorífico concedido a la activista, comediante y performer sudafricano Dierk-Peter Uys, alias “Evita Bezuidenhout” o en palabras de Nelson Mandela, la “mujer blanca más famosa de Sudáfrica”, por su implicación en la lucha contra el VIH.

Pasamos ahora a completar el resto del palmarés 2011. The winners are: El Teddy al mejor largometraje ha recaído en la película argentina “AUSENTE”, dirigida por Mteddy4arco Berger, combinación de “deseo, incertidumbre y tensión”, según palabras del jurado, y “thriller erótico entre un profesor acosado sexualmente por su alumno menor de edad desembocando en una tragedia shakesperiana con desenlace inesperado”, según los críticos. El filme revoluciona el concepto de paidofilia, donde ninguna de las partes es inocente.

teddy23Marie Losier, (1972) cineasta francesa especialista en mostrarnos la vida y obra de músicos, compositores y directores de vanguardia, a través de sus caprichosas, poéticas y nada convencionales películas retrato, fue galardonada con el Teddy al mejor documental. “THE BALLAD OF GENESIS AND LADY JAYE”, disecciona la misteriosa vida del llamado padre de la música industrial. El músico británico Genesis cuestionó y desafió los límites artísticos y personales sometiéndose a varias operaciones de cambio de sexo con la finalidad de parecerse a su (ya fallecida) mujer Lady Jaye . Siguiendo con el palmarés más mari de todos los festivales, el premio del jurado recayó en “TOMBOY”, de Celine Sciamma. En su segunda película, Sciamma refleja su preocupación sobre cuestiones de identidad sexual y género en la infancia, a través de Laure, de 10 años, y que aprovechando su búsqueda de nuevos amigos, decide buscarlos vestido como un chico.

En esta ocasión, el Teddy al mejor cortometraje fue ex aequo para “GENERATIONS” , y para “MAYA DEREN,S SINK”, ambos de la activista feminista Barbara Hammer. Nacida en el Hollywood de teddy21939, no fue hasta principios de la década de los 70 cuando descubrió su pasión por filmar, a la vez que su sexualidad lesbiana, convirtiéndose en una cineasta experimental e independiente, cuyas películas pueden verse en el Moma de Nueva Yorky y en el Centro Pompidou de París. Resulta difícil escribir sobre la obra de Barbara, siendo mucho mejor ver sus películas y experimentarlas. Por último, terminaría este artículo haciendo una referencia a los que cuestionan este tipo de premios y reconocimientos, al pensar que están de más, que no sirven para nada, e incluso que hacen un flaco favor a la normalización de la causa LGTB. Mientras haya países en los que el ser gay, lesbiana, trans, o bisexual esté prohibido, o perseguido con cárcel e incluso con la pena de muerte, pienso que la pregunta se responde por sí sola. TO BE CONTINUED

 ——————————————————————————————————————————————————

 DESDE ESE ARMARIO

La apertura en el Festival Donostiarra puede decirse que se inició con una película que ha marcado un antes y un después como fue “El imperio de los Sentidos”, del director japonés Nagisa Oshima, también conocida como “Corrida de amor”, del año 1976. A nadie en la dirección de nuestro certamen se le hubiera ocurrido traerla si el dictador estuviera vivo. Señalamos su paso por el festival en proyección privada a los medios acreditados, que creemos recordar se realizó en el Teatro Príncipe, con un lleno hasta la bandera. El cine de temática gay es todavía una asignatura pendiente, quizá por la falta de calidad para la sección oficial, pero la importancia de la filmografía en las últimas décadas ha reunido un considerable número de películas que bien pudiera tener su espacio, primero para una retrospectiva y más tarde, como innovación de una sección más del conjunto del festival, el reconocimiento ya está creado. Sólo en la línea gay podemos destacar una considerable lista en la que encontramos títulos de hace más de treinta años como “Sebastiane” de Derek Jarmans que fue dirigida conjuntamente con Paul Humfress en 1976, y que años mas tarde pondría nombre al premio de Gehitu.desde_ese_armario_llamado_cine

La cinematografía española tampoco se quedó lejos en los primeros tiempos de “democracia”, los conocidos años del destape teatral; el desnudo integral era exigido en el guión como un elemento más y que no podía faltar para estar al día, esta moda aperturista nos permitió ver culos y atributos de nuestros actores más conocidos, un sarampión que también tuvo su vacuna, todo pasa en el tiempo. Pero quizá en plena dictadura el punto lo puso “Mi querida señorita” que en 1972 dirigió Jaime de Armiñán e interpretada por José Luis López Vázquez. Todo un arranque de realidad que tuvo sus inconvenientes con la censura y que el director empleó la fórmula más sutil imaginable para sortearla. Fue nominada al Oscar a la mejor película extrajera, además de numerosos premios de interpretación para el protagonista.

Finalizaba la década de los setenta en la que destaca “A un Dios desconocido” que en 1977 fuera dirigida por Jaime Chávarri, con un guión compartido con el productor Elías Querejeta. La interpretación de Héctor Alterio y Xavier Elorriaga marcaron un punto en el trabajo al la hora de contar la historia, que también tenía su conexión con la guerra civil como ocurre en otros filmes de la época. Durante algunos años se fueron sucediendo títulos en la cartelera donostiarra, época en la que varios de ellos no duraban más de tres días en pantalla, como ocurrió con cintas que se programaban en el Teatro Principal. Indudablemente “Un hombre llamado flor de otoño”, contó con una destacada interpretación de José Sacristán, señalando un aspecto como es el travestismo artístico sobre el escenario, la película dirigida por Pedro Olea en 1978, estaba basada en hechos reales durante la dictadura de Primo de Rivera.

Sin duda es la década de los ochenta la que más destaca, donde no solo apreciamos la producción nacional, es sin duda el momento de la llegada de grandes directores vinculados al mundo gay. Son tiempos de Fassbinder o Pasolini. Este último marcó hasta su muerte una trayectoria en la que mezclaba sentimientos con denuncias contra el fascismo que se vio ampliamente reflejado en su filmografía, dentro del neorrealismo que caracterizó al cine italiano. Desde el año 1961 que inicia su trabajo, podemos destacar entre todas ellas la más perseguida y que recibió las mayores amenazas de la extrema derecha europea “Salo o los 120 días de Sodoma” 1975, una historia que necesitaba un fuerte dosis de buen estómago para soportar el contenido. En París, concretamente, se proyectó en el cine “La Pagode”, fuertemente protegido por la policía y donde se anunciaba al espectador que la empresa no se hacía responsable en caso de atentado.

El erotismo y sello particular de los hombres que interpretan sus personajes, actores desconocidos en su mayoría, marcaron una característica en su filmografía además de un particular morbo, que unido a las historias que contaba, no dejaban a nadie indiferente. Títulos de Pier Paolo Pasolini que en los setenta conformaron “la Trilogía de la vida” como “El Decámeron”, al que le siguieron “Los Cuentos de Canterbury” y “Las Mil y una Noches”, marcan un estilo que no dejó impasible a un determinado público de esos años. Su trágica muerte lo coloca aun más en el mito que hoy día representa en la historia del cine. En 1980 surge otro título que señala un tiempo, hablamos de “A la caza” donde la intriga está bien desarrollada al mejor estilo policíaco, bajo la dirección de Wiliam Friedkin, en la que Alpacino interpreta un gran papel con un interrogante final.

Es en el comienzo de la década de los ochenta cuando Rainer Werner Fassbinder irrumpe con la película “Querelle”, un hecho del mundo gay y en el cinematográfico de esos años. Una historia basada en la novela “Querelle de Brest” que el escritor francés Jean Genet publicara en 1947. Donde una insuperable Jeanne Moreau, interpretaba el papel de Lysiane y un Brad Davis daba vida a Georges Querelle. La particular puesta en escena sorprendió con división de opiniones del público y crítica de la época, pero no dejó de ser un acontecimiento y lo sigue siendo hoy día. Un director más marcado por la tragedia, su muerte con tan solo 36 años, en extrañas circunstancias tras realizar esta película ha ampliado el mito sobre su persona. Continuando con esta década no podemos dejarnos en el tintero en 1984, la película vasca, “La muerte de Mikel” del director Imanol Uribe, con un guión de José Ángel Rebolledo.

El filme cuenta con una soberbia interpretación de Imanol Arias en el papel de Mikel, que nos deja un mal sabor de boca y pone de relieve la falta de escrúpulos de algunos políticos que no dudan de aprovechar la situación en su beneficio. Desde “La Ley del Deseo” Pedro Almodóvar nos deja claro cual es el estilo que durante más de dos décadas continuará desplegando; su ya amplia filmografía ha tenido un camino inequívoco en todo este tiempo. Una película contemporánea que dejó su huella es “Maurice” de Jame Ivori, donde la juventud sufre las consecuencias de una Inglaterra postvictoriana. Tanto “Matador” como “Tacones Lejanos” y más adelante “La Mala educación” marcan indiscutiblemente una tendencia que se ha visto desarrollada desde un frescura intelectual que persistentemente ha caracterizado a Pedro Almodóvar. Sus trabajos siempre tiene un toque de libertad, de insinuación sin sutilezas, que precisamente en las que hemos citado se aprecia un inequívoco contenido homosexual. Sus películas dejan un indudable sabor de historia que pocos se atreven a contar, señalan una sociedad de sotana de la que algunos no nos hemos podido escapar y este director ha rescatado con un tono particular que lo define claramente. Otros filmes y directores se suceden a lo largo de las siguientes décadas, tan amplio como imposible de seleccionar, no obstante títulos como “Priscila reina del desierto” de 1994, “No se lo digas a nadie”, realizada en 1998, también cumplen su objetivo.

Pero ya en el nuevo siglo, “Brokeback Mountain” estrenada en diciembre de 2005, del director Ang Lee, es sin duda la que más ha resaltado dentro de la importante filmografía que se ha sumado a esta temática. Su estreno en España bajo el título –Secreto en la montaña causó estupor, motivando alguna inquietud y rasgando más de una vestidura. Ni los cuatro Globos de Oro conseguidos evitaron denuncias en Chicago al ser mostrada por un profesor a sus alumnos y fuera prohibida en la Bahamas. Sin duda alguna, la verdad de la vida incomoda a los falsos puritanos e hipócritas meapilas, por eso tenemos que sacar al cine del armario en que se encuentra dentro del cine.

 ——————————————————————————————————————————————————

sidaCINE Y VIH.

Zinema 30 urtetako errealitateari atxikitzen zaion historia da.Bertan hasierako nahasmenak eta estigmak heriotzari, mobilizazioari, prebentzioari eta ahanzte hiltzaileari bide ematen dio.

1981-86 Inicios

“Parting Glances” (Miradas en la despedida) de Bill Sherwood, 1986. Si hay un comienzo a todo, esta mirada a los inicios del cine y el sida debe comenzar en New York y San Francisco en los años 80. Bill Sherwood relata el desconcierto y la muerte en la ciudad de los rascacielos en esta década. Es la obra de un prometedor director que morirá al poco de estrenar su ópera prima, de la extraña enfermedad que disecciona en el film. En la primera década del siglo XXI, el cine hace historia de esta época y nos cuenta cómo eran los ambientes bohemios neoyorquinos o los gays de las grandes urbes occidentales, con pelis como “RENT”, de Chris Columbus (2005), “The Trip”, de Miles Swain (2002) o “Los testigos” (Les Témoins), de André Techiné (2007).

Es la época del cáncer gay y el estigma. El cine norteamericano tiene problemas para hablar del sida porque significa hablar de los gays. Por eso, tres filmes menores harán historia: El telefilme con vocación “pedagógica” realizado en 1985 “Anerly Frost”, de John Erman, necesitó dos años de guión para no molestar a nadie y dar información correcta. En 1990 “Compañeros inseparables”, de René Norman, cuyo título inglés, “longtime companion”, refleja la forma en que las necrológicas se referían a los viudos gay… La muerte visibilizaba brutalmente a las parejas gays (y sí, es Dermot Mulroney antes de ser el galán hetero). Con “En el filo de la duda”, de Roger Spottiswoode (1993), constatamos cómo en10 años apenas un gran estudio era capaz de contar la lucha de los científicos por detectar el virus, hacer frente a las mentiras políticas y plantear la prenvención y hacerlo en una peli para el gran público.

1987-1994 Muerte y movilización Europa entra dando su versión y adoptando como punto de vista y como relato el del enfermo en “Las noches salvajes” (Les Nuits Fauves), de Cyrill Collard (1992), que se convierte en unan película de culto. Desgraciadamente cuando arrasa en los premios César franceses, el director ya ha muerto. En el cine anglosajon de los dos lados del Atlático surge un subgénero, el de los amigos que se reúnen y… Películas como “It’s my party” (Randal Kleiser, 1996) y un etcétera que cada cual sabrá rellenar con sus recuerdos y preferencias. En 1991, Gus Van Sant rueda “Mi Idaho privado” .1993 es un año especial, el cine da la experimental “Blue” de Dereck Jarman y la canónica “Philadelphia” (Jonathan Demme). Moleste o agrade, es la primera película de gran estudio donde el gay y enfermo de sida es el héroe. Es decir, el cine dice “oficialmente” a la sociedad de EEUU y al mundo que lo gay es aceptable y que el villano es quien estigmatiza al enfermo.

Para los que se han molestado, dos perlas del periodo: “Common Threads: Stories from the Quilt”, de Rob Esptein y Jeffrey Friedman (1989), el documental sobre la devastación de la comunidad gay de San Francisco que explicaría la importancia del sida en la toma de conciencia gay de su realidad. “My brother… Nikhil”, de Onir (2005), que nos habla de ser seropositivo y homosexual en el Goa de 1987-94. 1995-2006 Prevención y nuevos tratamientos “Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar” es de 1999. Europa sigue dando sus visiones personales, aquí el relato en femenino. En 1995, “Sólo ellas… los chicos a un lado” (Boys on the side) de Herbert Ross (1995), muestra la primera mujer heterosexual con SIDA en cine para el llamado gran público. La HBO, la cadena americana de las series de calidad, produce en 1997 “Gia” donde Michael Christopher utiliza a Angelina Jolie para contarnos la vida y muerte den Gia la primera top model y la primera víctima femenina en EEUU. Mientras la directora Nancy Meckler dirige “Indian Summer”, 1996. El camino abierto por “Philadelphia” lo sigue “Juntos hasta el final” (“Green plaid shirt”, de Richard Natale, 1997). Representa al cine hecho desde la necesidad de crear referentes para las minorías sexuales, buscando la empatía de las mayorías. Junto a este camino se siguen todos los otros que conforman juntos la gran autopista del cine. El cine queer fue precursor con Gregg Araki en “Vivir hasta el fin” (“The living end”, 1992) donde los problemáticos protagonistas seropositivos no quieren ser redimidos por la enfermedad e intentan dar una patada a la vida.

En la época se la tildó de “película irresponsable”. Con “Safe”, (Todd Haynes, 1995) el director cambia el relato pedagógico o rompedor por el de la alegoría. Y dos perlitas, “A river Maden to Drown In”,(James Merendino y Alan Smitheenos, 1997) describe la prostitución masculina de los años 90 y el tratamiento de un abogado anciano con SIDA. Y sí, el prota ancianito es Richard Chamberlain, y no, todavía no había salido del armario. “La niña de tus sueños” (Jesús R.Delgado, 1995) . Película franco española, la transmisión del SIDA a los hijos y el estigma.¿Qué pasa si aparece una niña con SIDA en un ambiente de clase media? Una originalidad a reivindicar dentro del cine español.

Pero el cine también sabe responder a la actualidad del SIDA en los países y gentes que intentan desarrollarse: “Kids”, (Larry Clark, 1995). Culturas urbanas y prostitución juvenil. “Gan /The garden”, (Adi Barash y Ruth Shatz, 2004), documental sobre la prostitución juvenil arabo-israelí. “Yesterday”,(Darrel James Roodt), sobre la feminización actual de la pobreza y África. En “Un año sin amor”, (Anahí Berneri, 2005) la pujante Latinoamérica, al menos en cine, nos cuenta cómo un seropositivo se enfrenta a no tener que morir…y encontrar el amor, ardua tarea. Para terminar, para los que dicen que el verdadero cine americano está ahora en la televisión, “Angels in America” (Perestroika), de Mike Nichols, 2003. Se basa en la la obra de teatro de Tony Kushner, Pulitzer de 1993 que escenificaba una “fantasía gay sobre los temas nacionales”, demoledora obra considerada uno de los pilares del teatro en inglés del s.XX.

 ——————————————————————————————————————————————————

lacolumnajonicaDOS EN LA CARRETERA

ÓSCAR HERNÁNDEZ

Oscarhercam@gmail.com

Tomo prestado el título de aquella soberbia película protagonizada por la dulce Audrey Hepburn y el seductor Albert Finney, para encabezar esta columna especial en un Magazine 100% cinéfilo. Recuerdo las escenas del film de Stanley Donen y aquel espectacular montaje que hoy imitan, a su manera, películas del más alto presupuesto. Idas y vueltas en el tiempo, retales de una época y de otra, escenas caleidoscópicas que conforme avanza el metraje van conformando en la mente del espectador el puzzle de la trama. Aquella película, además, enamoraba con la banda sonora de un Henry Mancini en estado de gracia, y el resultado final era que un comienzo sencillo y casi átono, devenía en un argumento que iba atrapando al espectador hasta mantenerlo (mantenerme) con la boca abierta los últimos minutos del film.

Pero “Dos en la carretera” tenía, y tiene, dada la actualidad de su argumento, un protagonista que no ha forrado con pósters paredes ni carpetas, un protagonista que no ha vendido discos ni filmado más películas, un protagonista mudo, poco visible, pero omnipresente; que no otro que el vehículo. ¿Cuántas películas podemos recordar que tengan algún vehículo como protagonista? Por tierra, mar y aire nos ha arrastrado el celuloide en su siglo largo de historia. Quizá no sea casual que la llamada primera película de la historia fuera la famosa llegada del tren, de los hermanos Lumiére. Desde que aquella locomotora hizo huir despavorido al público parisino en 1895, muchos vehículos nos han hecho soñar en la pantalla grande. El viaje a la luna, de Georges Méliès en 1902, nos sacó del planeta medio siglo antes de que la USS Enterprise nos llevara más allá de las estrellas. Pero también hemos viajado en barco, en avión, en extraños coches como el que conducía el excéntrico profesor Fate en “The great race” (La carrera del siglo), en globo y en autobús.

El autobús es uno de los vehículos, junto al tren, más sugestivos del mundo, porque a pesar de que pueda viajar en ellos mucha gente, son espacios que invitan a la intimidad, a la introspección y a la confidencia. Aunque la mayoría de road movies son protagonizadas por dos personas en un coche (como el caso de “Dos en la carretera”, “Thelma y Louise”, o de otra forma, “Lolita”), también en el mundo de las películas en movimiento encontramos tríos o incluso más protagonistas. Me viene a la memoria uno de los filmes que más han hecho por el movimiento LGTB, y que no es otro que “Las aventuras de Priscilla, reina del desierto”. Ya el título reivindicaba el protagonismo de aquel destartalado autobús, un Ford Denning tuneado, si mis fuentes no me fallan, que fue vehículo y hogar de los tres anti-héroes que atravesaban el desierto australiano en busca, quizá, de ellos mismos. Un viaje iniciático, como todos los road movies, o puede que de catarsis, que lleva a sus protagonistas a luchar contra su pasado, contra su presente y contra el futuro al que parece que están destinados. Un viaje en autobús bajo el paraguas de una de las bandas sonoras más bailadas de la historia, donde en medio de éxitos ya divinizados, sobresalía como un himno “I will survive” de Gloria Gaynor.

Tres magníficos actores dieron vida a tres roles geniales y cambiaron la concepción que occidente tenía de las drags queens, e incluso de la homosexualidad. Nos enseñó aquella película que debajo de las boas, las lentejuelas, el maquillaje y los tacones imposibles, viven personas, seres humanos con ilusiones, preocupaciones, miedos, amores y odios. Que cuando baja el telón, se apagan los focos y se retira el maquillaje, la vida sigue, con todos los complementos que la vida nos da y nos quita cada día. Entendimos que las pestañas postizas, las plataformas, el hablar deslenguado y la pluma hiperbólica son, a menudo, modernas armaduras que protegen en su interior a personas con unas vivencias muy duras, o que simplemente quieren airear y gritar a los cuatro vientos la alegría de vivir, el orgullo de ser como uno es, y la marcha que a uno le quema por dentro. Priscilla, protagonista metafórico del film, brillaba como un diamante en medio de la arena rojiza del desierto; fue vilipendiada con pintadas ignorantes e intolerantes, y maquillada de rosa por sus protagonistas. Sufrió averías por el camino, como ellos en sus corazones rotos, corazones de hombre, de mujer, de padre, de hijo, de amante… Y finalmente llegó a su destino un poco más vieja, pero mucho más sabia. Esta es la esencia de la road movie, de Priscilla o de “Dos en la carretera”: el cambio, la evolución, el aprendizaje, o quizá sólo la contemplación de los días, de los cambios.

Puede que sólo se trate de asistir como espectadores, como meros observadores, incapaces de actuar sobre lo que vemos, sintiendo incluso impotencia ante lo que ocurre en la pantalla; espectadores que se limitan a ver el deterioro de la pareja, de los principios, de la ilusión, como en el caso de Audrey Hepburn y Albert Finney en “Dos en la carretera”.

Anuncios

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s